Il titolo della mostra ricalca quello della Biennale veneziana, Fare mondi, perché le opere di Cosua si stagliano sulle pareti come uno skyline che avvolge completamente lo spazio, risucchiando il visitatore in una metropoli di linee orizzontali. Linee che però non sono dipinte come potrebbe sembrare a prima vista: ognuna di essere è il frutto di una stratificazione di opere precedenti.

Infatti Cosua ha accumulato negli anni montagne di disegni, a partire da quelli di quando era studente, che con un gesto drastico e catartico ha ordinato uno sopra l’altro sezionandoli poi in verticale. Le strisce di carta cosi ottenute sono state poi messe sotto plexiglass. Le linee di colore di ogni opera non sono altro che le tracce lasciate da ogni foglio sezionato.

Un lavoro da serial killer dell’arte, che però si può interpretare anche ottimisticamente in chiave attuale: il passato serve per costruire il presente. E sulle sue macerie possono essere eretti grattacieli di evocativa bellezza.

Un prezioso disegno a matita di Giorgio Morandi al limite dell’astrazione è lo spunto di riflessione per un confronto con l’opera del giovane artista californiano Timothy Tompkins: oggetti banali e suppellettili senza storia, individuati fra le rimanenze degli scaffali degli ipermercati, vengono assemblati dall’artista e fotografati in composizioni che rimandano alla tradizione della natura morta.

Queste fotografie, semplificate digitalmente a una ridotta gamma cromatica al fine di astrarle, sono poi riprodotte pittoricamente su lastre di alluminio. Ne risulta una stratificazione liquida di vernici industriali che si dispongono per isole cromatiche, indefinite nei contorni al pari delle immagini rievocate dalla memoria.

In entrambi gli artisti oggetti quotidiani che non hanno storia né dignità estetica vengono storicizzati e quasi sacralizzati per almeno un istante della loro vita, domestica o consumistica che sia.

L’artista finlandese ha trasformato i due saloni della galleria in un ambiente dai colori crepuscolari di forte impatto scenografico. Ad accogliere lo spettatore è un’installazione pittorica appositamente realizzata di quattro metri per due, rappresentante una foresta di tronchi che sfuma in un cielo infinito, ispirata al sublime dei cieli turneriani.

L’opera introduce in un percorso evocativo alla scoperta di altre due grandi installazioni pittoriche, che scandiscono un progressivo passaggio dalla figurazione all’astrazione. Si tratta dello stesso procedimento che Turner ha anticipato attraverso le opere informali dipinte alla fine della sua carriera e che Palosuo rilegge filtrandolo attraverso le suggestioni del neoplasticismo di Mondrian. L’esposizione è accompagnata da un testo critico di Pia Maria Montonen.

"Essendo scandinavo - scrive Palosuo - sento molto vicino il senso di malinconia ispirato dalla natura che è presente nelle opere di Turner. Sono particolarmente affascinato dal modo in cui questo artista, nel corso della sua ricerca, ha lasciato il soggetto in secondo piano, normalmente in piccolo e in basso, quasi come un pretesto, per poi lavorare con prospettive aeree di enorme respiro".

Il raffinato artista giapponese Hiroyuki Masuyama da anni lavora sulla figura e sull’opera di Turner. I suoi incredibili light boxes si riferiscono proprio ai soggiorni in Italia di Turner, tema su cui si concentra la mostra di Palazzo dei Diamanti.

L’artista giapponese, ripercorrendo le tappe del viaggio di Turner dopo 170 anni, ha individuato e fotografato i luoghi dipinti dal pittore inglese, e ha poi unito con la pazienza tipica degli artisti orientali le centinaia di foto scattate, al fine di ricreare tramite la tecnologia digitale i dipinti di Turner nei più piccoli dettagli (alcune opere sono il risultato della sovrapposizione di oltre trecento fotografie).

Spenti, i light boxes sembrano semplici fotografie di opere di Turner; ma quando vengono accessi creano un forte stupore nello spettatore perchè, ad una visione ravvicinata, rivelano particolari attestanti l’origine contemporanea dei fotogrammi sovrapposti, come turisti vestiti in abiti contemporanei o segnali stradali.

Punto di partenza della manifestazione ferrarese è la sinergia creatasi tra alcune delle realtà più dinamiche nella promozione del contemporaneo presenti in città, che partecipano all’evento unite nell’intento di allargare il numero dei fruitori di arte contemporanea a Ferrara.

Il titolo della manifestazione, Fil Rouge, sottolinea simbolicamente non solo il tema comune, ovvero l’uso del filo, del ricamo e del cucito nell’arte contemporanea internazionale, ma anche lo stretto legame tra i quattro spazi espositivi coinvolti.

Tra le opere in mostra alla MLB, gli abiti modificati dagli artisti del collettivo Airswap, il sutra metallico di Arianna Callegaro, gli arazzi su tessuto di Letizia Cariello, le provocatorie bambole cucite con tratti infantili di Erika Latini, le adolescenti autolesioniste di Ilaria Margutti, le mappe di città di Anila Rubiku, i materassi ricamati a forma di rosa di Ketty Tagliatti.

Ketty Tagliatti ha concentrato la sua attenzione sull’elemento "terra" che costituisce il fulcro della mostra ferrarese su Mirò: le sue opere raffigurano il forte legame che l’artista sente con la sua terra, simboleggiato dalla rosa (rose bianche cucite sulla tela insieme a spine di rose reali, oppure rose rosse ricamate su velluto attraverso grovigli di segni, o ancora sindoni bruciate dello stesso fiore).

Invece il grande equilibrista rovesciato in terracruda di Camerani, sui cui piedi poggia il video di una danza ipnotica che parte dalla terra ma è rivolta al cielo, richiama la riflessione sull’eterno susseguirsi di vita e di morte presente nelle opere dell’artista catalano.

Punto di partenza della mostra è una frase di Alain Jouffroy, che vede in Cosmè Tura l’iniziatore di una vena surreale ed espressionista dell’arte ricercata da molti artisti del Novecento.

Sulla base di questo presupposto teorico, la mostra vede coinvolti due artisti accomunati dal fil rouge del Surrealismo: uno storico, Man Ray, esponente di primo piano del Dadaismo statunitense e del Surrealismo europeo, e uno contemporaneo, il giovane artista bresciano Stefano Bombardieri, presente alla 52a Biennale di Venezia.

Erik Binder (Bratislava) ha indagato il paesaggio contemporaneo attraverso una serie di fotografie digitali e un video aventi per soggetto la creazione di un mondo virtuale, di una natura fantasiosa e artificiale.

Marcello Cinque (Napoli) invece ha affrontato il tema del paesaggio surreale e metafisico rifacendosi alle forme mediterranee dell’arte dechirichiana, tramite sculture dall’aspetto bizzarro che richiamano la tradizione 'eterodossa' e misteriosa dell'arte ferrarese quattrocentesca.

Simone Lucietti è autore di opere dall’atmosfera gotico-noir, come il suo trono "crivellato" di bossoli, che allude alla tortura e alla sedia elettrica (America). Un lavoro incentrato sull’idea di pericolo, come pericolosa è la "performance" che precede molti lavori dell’artista: il furto delle targhe con la scritta "pericolo di morte" (sottratte dai tralicci dell’alta tensione).

Le fotografie digitali di Lamberto Teotino nascono da un percorso estremo di gusto fetish. Come frame di un set cinematografico indagano voyeuristicamente la storia di un oggetto ferito e medicato (un mobile domestico) in rapporto alla vita della sua defunta proprietaria (Puuvillaa).

Due lavori di forte impatto emozionale sui concetti di nascita e morte, di dolore e pericolo, accomunati dall’avere per protagonisti due oggetti d’arredo. Oggetti carichi d’energia empatica, simboli sofferenti del loro vissuto.