Cinque artisti (Irma Blank, Marcello Carrà, Dadamaino, Maria Lai e Opalka) uniti dall'uso del segno grafico e della scrittura come elemento fondante della loro pratica artistica, concettuale o astratta. Li accomuna una esplorazione dei "grafemi" (le unità minime di un sistema di scrittura) che scavalca il loro valore linguistico o di significato convenzionale per potenziarne la valenza visuale, ritmica ed espressiva. In tempi e contesti diversi, hanno tutti e cinque trasformato la scrittura in un linguaggio universale e asemantico (privo di significati letterali immediati). Un territorio dove il segno si emancipa dalla parola per farsi immagine.

Oltre che dal segno, le loro ricerche artistiche sono accomunate poi da un interesse profondo per la serialità, intesa come strumento per indagare concetti universali come il tempo, l'esistenza e il linguaggio, superando la materialità dell'opera tradizionale. Il segno (grafico, numerico, tessile), nei loro lavori, diventa ripetitivo, pura traccia visiva, ritmo o meditazione.

Le loro opere, sviluppandosi spesso in serie o sequenze che richiedono tempo per essere create e fruite, enfatizzano, nel processo artistico, la durata e la progressione metodica. Rendono visibile lo scorrere del tempo, utilizzando spesso materiali umili o gesti quotidiani (scrivere, cucire, disegnare a biro) per elevare la loro ricerca oltre i canoni artistici convenzionali, nell'ambito di una ricerca i cui confini sfumano nebbiosamente tra arte concettuale, maniacalità artigianale, minimalismo, poesia visiva.

Irma Blank è nota per la sua "scrittura asemantica" che indaga il tempo e il ritmo attraverso la ripetizione ossessiva di segni che mimano la scrittura senza essere leggibili. Nei suoi lavori il segno diventa presenza fisica, testimonianza del corpo e della durata. Nelle Trascrizioni (1975, inchiostro su acetato), l’artista svincola il linguaggio dal significato per concentrarsi sul gesto, sul segno e sul tempo della scrittura. Il libro — riferimento centrale in queste opere — viene riprodotto e al contempo negato: le parole scompaiono, lasciando spazio a un tracciato indecifrabile che però conserva la struttura della pagina, il ritmo delle righe, la disciplina della gabbia tipografica. Il gesto diventa ripetuto, meditativo, totalizzante. Un corpo a corpo con la superficie, dove il tempo diventa parte dell’opera e il segno, tracciato in uno stato quasi meditativo, conduce a una dimensione spirituale nutrita di silenzio e concentrazione. Una calligrafia interiore dal sapore metafisico.

Marcello Carrà utilizza il segno grafico e la scrittura come elementi compositivi, trasformando lettere e simboli in pura forma, a partire da libri che riscrive completamente a pennino o a penna biro, dando loro nuovo significato attraverso una veste grafica bidimensionale e allegorica. Rielaborando in chiave personale la poesia visiva, Carrà trascrive a mano, su un unico grande foglio rettangolare, con ossessione maniacale, un intero romanzo di oltre cento pagine, Olga di Chiara Zocchi. Ma, al centro del rettangolo, denso di caratteri calligrafici, lascia un perfetto cerchio bianco: simbolo del vuoto interiore che pervade la protagonista.

Nella Lettera sulla tolleranza di John Locke, invece, circa duecento righe, fittissime di parole, vanno a costituire una perfetta geometria che contiene l’intero testo del trattato: soltanto le due forme vuote delle asce, simboli, in ossimoro, di violenza e intolleranza, spiccano da lontano, simmetriche e ottenute tramite l’assenza di testo.

Stupefacente è la trascrizione di A sangue freddo di Truman Capote, true crime in cui Carrà, sempre avvalendosi del concetto di antitesi, rappresenta una felice famiglia americana a tavola: in questo caso l’artista ha delineato le sagome dei protagonisti del romanzo, riuniti attorno alla tavola, attraverso le parole stesse del libro, modificando lo spessore dei pennini a seconda dell’intensità chiaroscurale delle campiture.

Dadamaino ha esplorato il segno e la linea in modi diversi, ma in tutte le sue opere il gesto grafico si ripropone in modo seriale, quasi ossessivo, per esplorare lo spazio e la percezione. L'artista utilizza segni minimi e ripetitivi, che diventano un alfabeto segnico, come nella serie I fatti della vita. La Lettera 10 B, un’opera a china su carta intelata del 1980, faceva parte di un’installazione ambientale esposta nello stesso anno alla Biennale di Venezia: un diario quotidiano che diventa scrittura automatica. Come se l’artista vedesse nei segni tracciati caratteri di un alfabeto universale o molecole della realtà. Passo dopo passo del 1989 (mordente su poliestere) fa invece parte del ciclo di lavori intitolato Il movimento delle cose, rappresentazione metaforica del destino biologico ed esistenziale delle persone che si incontrano, si amano, pulsano e si muovono, cambiando costantemente. Sulla superficie trasparente del poliestere, il mordente traccia un flusso materico che, interagendo con la luce, crea onde energetiche, un movimento incessante e continuo nello spazio, cinetico.

Maria Lai è nota a livello internazionale per i suoi “libri cuciti”, in cui si intrecciano sapienza manuale e riflessione intellettuale. Con ago e filo, l’artista decostruisce e ricompone il concetto stesso di scrittura, trasformando il libro in un oggetto da esplorare più che da leggere. I suoi libri,  più che “illeggibili”, sono “democratici”: narrano storie che tutti possono leggere, attraverso un linguaggio intimo e universale. Un lessico spirituale, una poetica del silenzio e del gesto. Una scrittura che ha origine all’epoca della sua infanzia, quando l’artista, da bambina, guardava la nonna rammendare le lenzuola e si divertiva a inventare storie a partire dai fili usati per ricucire gli strappi, che le apparivano segni di un alfabeto misterioso. Il filo diventa metafora della creazione di relazioni, di connessioni. Un filo che lega e collega, che spesso rimane in sospeso o trafilato, pronto a continuare a raccontare le storie della sua memoria, un filo che cade sulle pagine, le disegna, le intreccia, fino ad avvolgere sotto forma di matassa l’intero libro.         

Roman Opalka dipinge la progressione numerica da 1 all'infinito sulla tela, documentando l'intera durata della sua vita artistica in relazione al tempo che passa; rappresentazione visiva dello scorrere inarrestabile del tempo e della vita umana verso l'inevitabile fine. Ogni opera è un frammento di un unico flusso dove la progressione numerica funge da metafora della vita umana, che ha un inizio (la nascita, il numero 1) e si muove inesorabilmente verso la sua conclusione, l'infinito o l'annullamento, tanto che i  numeri sequenziali sono scritti su sfondi che diventavano progressivamente più chiari, dal grigio al bianco puro. L’artista registrava la sua voce mentre pronunciava i numeri e scattava un autoritratto fotografico alla fine di ogni giornata di lavoro, documentando il proprio invecchiamento, parallelo all'avanzamento numerico. 

Nel dialogo tra le ricerche di questi cinque artisti, di epoche e nazionalità diverse, emerge una medesima tensione: la scrittura viene sottratta alla sua funzione primaria – quella di trasmettere un contenuto semantico – e ricondotta alla sua essenza più profonda: essere un gesto che costruisce spazio. I grafemi, liberati dal peso della parola, diventano gli elementi di una grammatica visuale orchestrata tra ritmo, ripetizione, ordine e deviazione. Così, ciò che queste scritture perdono in leggibilità, lo guadagnano in pregnanza. I segni diventano architetture visive che comunicano per il semplice fatto di esistere, affermando la loro necessità attraverso la pura intensità della loro stessa presenza.

Una doppia personale che mette in relazione questi straordinari artisti, accostati per la prima volta. In esposizione un importante nucleo di opere inedite di Maria Lai, molte delle quali in ceramica. Lo sguardo sensibile e acuto che caratterizza il duo artistico Bertozzi & Casoni entra in dialogo in punta di piedi con queste opere, cadendo nuovamente sul quotidiano, sulla contemporanea sovrabbondanza di oggetti, parole e immagini in cui siamo costantemente immersi. Le composizioni ceramiche, tutte nate appositamente per questa occasione, si inseriscono in quella scia di ricerca legata alla vanitas e al memento mori, in cui gli elementi di tutti i giorni diventano allegorie della nostra epoca consumistica.

Simbolico trait d’union tra Maria Lai e Bertozzi & Casoni è uno splendido libro, quasi un unicum nella produzione dell’artista sarda: una pagina in tela fissata su un supporto in ceramica, materiale d’elezione di Bertozzi & Casoni. In questo caso, il libro non è più un oggetto di carta, ma diventa un materiale che si solidifica, trasformandosi in un linguaggio visivo e in un segno tangibile di storie passate e vissute. La ceramica assume un doppio significato: si tratta di un recupero di un materiale tradizionale della cultura sarda, ma al contempo esprime la durezza e la permanenza delle storie e del sapere popolare. Tuttavia, la memoria orale è fragile, e l’artista vede nel libro un modo per fissarla e custodirla in forma di segno e testimonianza collettiva, di narrazione e di resistenza culturale.

I libri di Maria Lai sono “narrazioni tessili” illeggibili e poetiche, che hanno origine all’epoca della sua infanzia, quando l’artista, da bambina, guardava sua nonna rammendare le lenzuola e si divertiva a inventare storie a partire dai fili usati per rammendare gli strappi, che erano per lei come segni di un alfabeto misterioso. Il filo diventa anche metafora della creazione di relazioni, di connessioni. A questo concetto è dedicata una grande opera di Bertozzi & Casoni che collega tra loro diversi elementi con riferimenti al tema delle connessioni care all’artista sarda, nota per l’opera relazionale Legarsi alla montagna, con la quale Maria Lai unì un intero paese, l'intera comunità di Ulassai, legata da un nastro celeste lungo 27 km.

Nelle sculture di Bertozzi & Casoni realizzate per la mostra, ritorna poi il concetto di memoria e il legame che la memoria instaura con gli oggetti sopravvissuti al passaggio dell’uomo. Un legame che passa di sguardo in sguardo, come i fili e le parole intrecciate da Maria Lai, come quel tessuto celeste che passa di mano in mano, e di casa in casa, attraversando il paesaggio montuoso: un legame in forma ceramica che intreccia tempi e luoghi differenti, parlando alla memoria personale e collettiva del passato con una spinta verso il futuro. Le immagini in forma scultorea composte da Bertozzi & Casoni, in cui figurano anche alcuni cataloghi dedicati a Maria Lai, si servono del colore e della composizione per aprire un dialogo contemporaneo. Cumuli di libri e oggetti abbandonati, composizioni di tubi e buste postali, scarti di cibo e silenziose presenze animali portano un monito ad una parte di umanità frastornata e anestetizzata.

Anche quella di Bertozzi & Casoni è una “mistica del quotidiano, delle piccole cose”, per citare un’espressione usata dal cardinale bibliotecario José Tolentino de Mendonça in occasione della mostra di Maria Lai nel 2022 alla Biblioteca Apostolica Vaticana: per lui l’artista “era capace di “vedere nei semplici elementi della vita quotidiana, come il pane o il filo, una sorta di lessico spirituale. La piccola vita materiale di ogni giorno ha un potenziale spirituale e contemplativo straordinario”.

Come diceva Maria Lai, “l’uomo ha bisogno di mettere insieme il visibile e l’invisibile perciò elabora fiabe, leggende, feste, canti, arte”. Prendendo ispirazione da questo suo pensiero, Maria Lai inizia a realizzare i “libri cuciti”, capaci di intrecciare sapienza manuale e riflessione intellettuale. Con ago e filo l’artista scompone e ricostruisce il concetto stesso di scrittura, trasformando il libro in un oggetto da esplorare, più che da leggere. Nella loro illeggibilità, risiede la forza di queste pagine: pongono domande, spingono a riflettere su quali siano i confini della parola. In verità, più che “illeggibili”, sono libri “democratici”, perché lasciano spazio all’immaginazione di ciascuno.

Allo stesso modo, Bertozzi & Casoni, in un mondo che sembra governato dall’ipertrofia dell’immagine, cercano di aprire un varco, mettendo in crisi il linguaggio delle immagini, componendo nuovi alfabeti e nuovi modi di vedere. Rifacendo il vero, sconvolgono l’atto della visione rinnovando il nostro sguardo, chiedendoci di sostare, di fermarci, di attivare la memoria e operare un collegamento; ci chiedono di concentrarci sulla relazione tra noi e gli altri, tra noi e l’immagine, tra la nostra esperienza particolare e la memoria collettiva. Queste sculture di Bertozzi & Casoni non sono solo un omaggio a una grande artista, ma sono anche testimonianza in forma di immagine scultorea, una voce che si aggiunge a quella dell’artista sarda, in un accordo di voci e di sguardi di cui l’arte sa farsi privilegiata e paziente messaggera.

L’indagine domestica è al centro della riflessione di entrambe, in tempi e spazi diversi. Quella Casa, titolo della bi-personale, è l’involucro universale di sentimenti, violenze, gioco, rivoluzioni e relazioni. Ciascuna delle artiste, generazionalmente lontane, adopera i propri vissuti per specifici linguaggi artistico/identitari. Milli Gandini, negli anni Settanta, rivendica il salario al lavoro domestico e trasforma gli strumenti di sfruttamento delle mansioni femminili in opera. Organizza convegni, scrive documenti e dipinge le pentole nelle quali ha sempre cucinato prima di chiuderle con il filo spinato. Smette di preparare le pietanze anticipando Glovo e coltiva duchampianamente la polvere. Non pulisce casa per mesi e, quando l’appartamento è abbastanza sporco, fotografa una compagna di lotte che posa per una performance, senza pubblico, scrivendo su mobili, piatti e scaffali lo slogan “Salario al lavoro domestico” accanto al simbolo femminista. I messaggi  sono generati dalla sofferenza inflitta da un patriarcato che si sta sgretolando. Con “Pensieri d’Agosto a Milano” (1985) - serie  presentata per la prima volta in galleria - l’artista, fotografata da Carla Cerati, dichiara sfrontatamente la conquista della propria autonomia oltre le pareti domestiche.

Se per Milli Gandini la macchina fotografica è un’arma per una rivoluzione linguistica, per Anna di Prospero, cinquant’anni più tardi, è uno strumento di rivelazione. Nello scorrere del quotidiano, la giovane artista, affrontando diverse serie tematico/esistenziali, fotografa ossessivamente soggetti rispettivamente legati a luoghi e persone: la casa, l’esterno, i famigliari, gli sconosciuti, i microcosmi e il Cosmo. In tutti questi casi, il suo obiettivo sottolinea il magico che si sprigiona dal dipanarsi delle ore, soprattutto notturne. Cosa avviene in Quella Casa? La serie fotografica Astray - quarto capitolo del progetto Beyond the Visible, in mostra in galleria - è un viaggio visivo ispirato a momenti di cambiamento e trasformazione, realizzato in una dimensione sospesa. Sono finestre su mondi interiori e apparentemente minori, dove realtà e immaginazione si uniscono. Si avverte però un’inquietudine di fondo tra gli arredi e i mobili scelti a puntino per una casetta modello. Ogni opera di Anna Di Prospero è una storia a sè che implica il perdersi per poi ritrovarsi. E’ un progetto di relazione con i mondi. Abbracciare l'ignoto e l'incertezza diventano passi cruciali per l’incessabile e avventurosa ricerca interiore che guida l’artista oltre il quotidiano.

“Mille innamoramenti”, la mostra di Barbara Capponi, in arte Babas, ispirata all’esposizione di Palazzo dei Diamanti che ha per protagonista il geniale artista olandese Maurits Cornelis Escher.

Scrive di lui Marco Bussagli: «L'arte di Escher nasce dalla capacità di lasciarsi stupire, meravigliare dalla realtà e dalla natura, viste attraverso la lente deformante e pure rigorosa della geometria. E dell’ironia, presente nei suoi lavori più di quanto non si noti». Il senso della meraviglia, il profondo amore per la natura, continua fonte d’ispirazione, e l’ironia sono anche alla base della poetica di Barbara Capponi. Attraverso l’utilizzo sapiente di questi elementi entrambi gli artisti danno vita a sorprendenti mondi immaginari.

“Voglio trovare la felicità nelle cose più piccole, come una pianta di muschio di due centimetri che cresce su una roccia e voglio provare a lavorare su quello che desidero fare da tanto tempo: copiare questi soggetti minuscoli nel modo più minuzioso possibile…”, scrisse Escher, e sembra di sentire in queste parole la stessa intensità che anima i Retablos di Barbara Capponi, dove l’attenzione è portata su dettagli microscopici. Protagonisti e storie sono catturati dentro piccole scatole magiche che generano stupore: i diorami, ispirati agli altari domestici della tradizione messicana, sono come wunderkammer portatili. Attraverso scene tridimensionali raccontano eventi topici, incontri che cambiano la vita, personaggi e allegorie fermati in un istante e messi a fuoco dal titolo. Come nell’opera in mostra “Amore a prima vista”: il colpo di fulmine tra due creature che abitano agli antipodi - una zebra e un pinguino - ma riconoscono immediatamente la propria affinità.

E proprio al concetto di amore è dedicata la mostra. Un mandala scritto a mano riunisce più di “mille innamoramenti” dell’artista: tutte quelle persone, personaggi, libri, luoghi, animali, scrittori, canzoni che le hanno fatto battere il cuore. Un ricamo bianco su bianco evoca, come in un sussurro, una frase d’amore. I ritratti di famiglia hanno per protagonisti, a sorpresa, solo i bambini. Le ironiche medaglie al valore sono un necessario tributo per chi si è innamorato e ha sofferto, perché, dice Barbara, “le pene d’amore lasciano cicatrici che sono come decorazioni”, testimonianze di ferite a cui siamo sopravvissuti.

E’ l’ironia ancora una volta a venirci in soccorso, insieme al grande stupore per la bellezza del creato, che in maniera surreale fa incontrare una donna e una giraffa davanti a un paesaggio da favola, e fa sentire loro che, “Malgrado tutto, era un mondo meraviglioso”. Con uno sguardo simile Escher si rivolge al mondo, quando afferma: “Colui che cerca con curiosità scopre che questo, di per sé, è una meraviglia”.

Vuoto a perdere
di Paolo Toffolutti

Un pic-nic anni '70, come non se ne vedevano da molto tempo.
Ormai, per non fare brutta figura, come minimo, tutti salgono al ristorante stellato!
Un incontro vocato al caso, tra chi viene e chi va, ciascuno distrattamente perso in sé “a fare cose, a vedere gente” in una vita caotica senza senso che ti passa davanti mentre sei impegnato a fare qualcosa d’altro. Uno spettacolo d’ipocrisia dove tutto già in partenza è compromesso, al margine della strada o in un campo, corrotto ed abbandonato.
Anche la vita prima di essere, viene ipotecata.
In “Finale di Partita”, un dramma di classe servo-padrone, ancor prima di iniziare il prendere o lasciare, tutto è già stato scritto tutto è già registrato.
Si tratta solo di recitare una parte.
Ora però, anche per la “società dello spettacolo”, il tempo è scaduto.
Stiamo vivendo a credito, sopravviviamo nel “dopo tempo”, nel “dopo vita” in una scena premasticata, previssuta, e già sputata da qualcuno che ci ha sequestrato, che ci ha rubato l’anima, il tempo, la curiosità, l’esperienza. Siamo dei sub vissuti.
Sia per il servo che per il padrone le ore di lavoro giornaliere non bastano più a pagare i debiti. Tutto il mondo è dominato dal “turbocapitalismo”, che ci sta inviluppando in un credito subprime di ore. Le giornate non bastano più a pagare i creditori, si parla già di: venticinque, ventisei, ventisette ore lavorative.
E ancora… Stefano Mancuso ci ha ricordato che anche per l’ambiente dove viviamo, le cose non vanno meglio: la massa delle sostanze artificiali prodotte dall’uomo sul pianeta ha superato la massa di risorse organiche che ha ereditato.
Stiamo seduti su una discarica a cielo aperto dove le risorse materiali organiche ed inorganiche, le energie quanto le stesse idee che ci sono state tramandate dal passato, le abbiamo distrutte, cristallizzate se non trasformate in fuffa.
Walter Benjamin così ci scrive:
“C’è un quadro di Klee che s’intitola Angelus Novus. Vi si trova un angelo che sembra in atto di allontanarsi da qualcosa su cui fissa lo sguardo. Ha gli occhi spalancati, la bocca aperta, le ali distese. L’angelo della storia deve avere questo aspetto. Ha il viso rivolto al passato. Dove ci appare una catena di eventi, egli vede una sola catastrofe, che accumula senza tregua rovine su rovine e le rovescia ai suoi piedi. Egli vorrebbe ben trattenersi, destare i morti e ricomporre l’infranto. Ma una tempesta spira dal paradiso, che si è impigliata nelle sue ali, ed è così forte che egli non può più chiuderle. Questa tempesta lo spinge irresistibilmente nel futuro, a cui volge le spalle, mentre il cumulo delle rovine sale davanti a lui al cielo. Ciò che chiamiamo il progresso, è questa tempesta”.
Non ci sta più trippa per gatti!
Oggigiorno sul “Titanic” si continuano a fare grandi veglioni e festeggiamenti. S’inscenano atavici rave party con sacrifici umani a base di nulla. Ci si allucina per il niente.
Nello svago, nell’euforia, nello sballo portato all’infinito, il figlio dell’uomo come due linee parallele si cerca disperatamente ma non si incontrerà mai. Si desidera un provvidenziale incidente, l’abiezione che ci traumatizzi, che ci mortifichi, che ci ferisca, che ci faccia accorgere che siamo ancora vivi.
Diceva Juan Mirò: “ per morire bisogna essere vivi”.
Ci hanno fatti diventati degli zombi, assetati di denaro, che nottetempo uscendo dalla nostra tana “cassa di abitazione” andiamo in giro a succhiare le risorse agli altri. Ma oggi ci stanno anche i bit-blood, il prelievo fai da te, lo fai in home-banking, comodamente, dalla tua cassa da morto.
Allora ti chiedo:
è questa la vita che ci è stata promessa?
“Leo, è questo che noi siamo?”
Che ne è stato della bella Victorine Meurent, la modella del più famoso “Pittore della Vita Moderna”, vestita di nudo col solo madido incarnato bianco, una volta passato il tempo a sua disposizione per la posa?
E ancora… Che ne sarà di quei due giovani, Ferdinand Karel Leenhoff, futuro cognato dell'artista, e di uno dei due fratelli di Manet, Eugène o Gustave, semisdraiato sul manto erboso e con il braccio allungato in direzione della giovane amica, non più in costume ma già in panni borghesi, presi dentro la conversazione sul noto motivo filosofico del “concerto campestre”?
Ma soprattutto… che ne è rimasto di quel prato verde, così simile ad un tavolo da biliardo, “che le palle ancora gli girano”, in forma di corso d’acqua, cespugli, alberi e un fondale che dischiude le quinte di un passato che è stato trasformato in un inferno?
Da qui in poi, nella modernità, solo impressioni, non più oggetti.
Così come al calar del secolo sta sparendo la natura ed il naturalismo, al sorgere del nuovo, sta iniziando l’artificio, l’arte astratta appunto, quella non oggettiva: senza gli oggetti.
Siamo sempre stati soli sulla terra, non ci sono mai stati fantasmi, non è mai vissuto nessun babbo Natale, nessun Angelus Novus, nessun Gesù bambino, nessun Gesù adolescente o Gesù Cristo, che dir si voglia. Nessuno, nessuno, proprio nessun profeta che ci possa indicare la strada giusta per ritrovarci, per andare a casa, per salvarci dalle nostre ipocrisie dai nostri improvvisi ed ingiustificati appetiti, dai nostri inganni, dai nostri sadici desideri! “L’arte serve a ritrovarsi”.
L’orda postmoderna ormai ha rotto le apparenze ed ha scavalcato gli argini: già da ieri… uomo mangia uomo.
Siamo una specie in via di estinzione, dove per assolvere il compito di sovralimentare i pochi ricchi sono stati affamati e resi prigionieri miliardi di poveri. Il bene per pochi è il male per molti. Il bene è il male! Caino contro Abele.
La morte è divenuta il motore che alimenta una catena di montaggio costruita per fare soldi distruggendo il mondo.
Senza trascurare nulla, tutto con estrema cura ed attenzione è stato programmato, preso, rubato razziato. Si sono messi i colletti bianchi ed i guanti per non lasciare tracce. Hanno usato sofisticati grimaldelli per poter entrare nelle vite degli altri: transazioni finanziarie, cambi di banconote, sanatorie, investimenti, evasione fiscale… Tutto ma proprio tutto alla luce del sole e delle telecamere! “Cos’è una rapina rispetto all’istituzione di una banca?”
Le ultime vestigia, gli avanzi, i rifiuti, quali monumenti a consumo di questa moderna civiltà vengono ora dissepolti e viene loro fatta un’autopsia da due attenti esploratori della storia contemporanea. Si tratta di riesumazioni di memorie, di “conversation piece” e resti oramai della contemporaneità. Il tempo è finito, andate in pace.
I due archeo-artisti del presente, un po’ in linea coi coniugi Anne e Patrick Poirier, Charles Simonds, Allan McCollum si chiamano Bertozzi&Casoni.
Sono una premiata impresa, che si è data il compito di scavare a fondo nella nostra falsa coscienza, nel nostro immaginario culturale per restituire al museo alcuni frammenti di un mondo perduto nell’ipocrisia e nella falsità del “dopo cena”, del dopo pranzo, piuttosto che di un dopo “colazione sull’erba”.
Terrecotte smaltate, immagini della perdita, dell’abbandono, della malattia, della morte, che abbiamo visto tutti ma mai fermato, così come le hanno mirabilmente fermate e fissate Bertozzi&Casoni nella glassa invetriata dello smalto.
Come un insetto di epoche passate nottetempo congelato nell’ambra e nella roccia, così un immagine di turboconsumismo ci viene restituita congelata ancora vivida nella ceramica allo sguardo.
Questi momenti di lotta di classe vengono celebrati, con un “realismo alla Balzac”, e oggi ci appaiono come pietre d’inciampo, dove lo spettacolo della società s’incrina, si piega su un’ala, e si prepara di lì a poco allo schianto.
Memento mori, o monumento all’effimero e al transeunte quotidiano, in mostra viene gettato a terra lo sguardo, come oggigiorno si gettano a terra le cartacce, i mozziconi di sigaretta, i rifiuti, i morti, tutti abbandonati senza troppo dire e farsi notare in un sentiero fuorimano della prima periferia cittadina.
Fasti di un decoro di vita pubblico-privata perduta e ritrovata, poi divenuti oggetti di culto in qualche chiesa o Museo di Capodimonte. C’è tutto il culto del cattivo gusto, “dell’insostenibile leggerezza dello sguardo” di un soprammobile kitsch. Il culto dell’oggetto abbandonato e ritrovato quindi il culto romantico di William Morris e John Ruskin della rovina e del ready-made duchampiano sedotto ed abbandonato. Veniamo posti al cospetto delle vestigia di un antico quanto contemporaneo banchetto. Nella postmodernità le distanze ed i tempi si sono compressi se non azzerati. Di un momento mancato, al quale non siamo mai stati invitati. Ci piace spiare tra gli avanzi, tra gli abiti ed oggetti usati da mercatino delle pulci, quanto osservare delle rovine. Resti di compostiera, propri di un Cezanne che già sogna un quadro cubista. Resti della proto neoavanguardia, già ammassati in una combinazione contraddittoria, gli uni sugli altri. Resti di scomposizione e disaccordo da manifattura suprematista. Ciascuna stoviglia, avanzo, cibo, o bevanda porta con sé la traccia indicale di segni ed azioni compiute da un potenziale commensale che li ha tagliati, morsicati, toccati, succhiati, sbucciati, sorbiti, addentati, schiacciati, sputati. Gesti compiuti ed ora andati per sempre perduti. Gli avanzi di un pasto ora memento mori ci richiamano ad una socialità andata perduta. Chi ha mangiato nel mio piatto? Chi ha dormito nel mio letto? Si assiste ad un fuoco ormai spento che ha lasciato vestigia e distruzione tutt’attorno. Della fattualità che è stata di un gesto, ci resta nulla più il suo simulacro. Copia della copia senza inizio o fine all’infinito. Ciò che tramanda questa esausta se non annoiata civiltà sono annoiati soprammobili che accolgono e raccolgono la polvere che accompagna il passaggio del tempo. Gli ultimi avanzi della civiltà dell’uomo degli oggetti ci stanno davanti. Le impronte, le tracce di forme, di gesti di comportamenti si stanno ormai rapprendendo. L’aura di rigor morti che ammanta da sempre la visione di un’opera d’arte sia essa architettura, scultura, pittura, ceramica… così come nella compostiera di un inizio del modernismo si è decomposta in un avanzo di colazione o pic-nic che dir si voglia che qualcuno ha abbandonato  sull'erba.

Carrà reinterpreta, attualizzandole, le tematiche che i pittori in mostra a Palazzo dei Diamanti hanno affrontato nei loro dipinti, lasciandosi trasportare dall’emozione di trovarsi davanti a opere che colpiscono per il loro carattere surreale, metafisico, per la loro natura fantastica.

L’analisi parte proprio dal concetto di “Rinascimento”: secondo l’artista oggi, “l'unico vero e proprio ‘Rinascimento’ appare quello scientifico e tecnologico, con conseguenze senz'altro positive su alcuni aspetti della qualità della vita, ma con effetti purtroppo anche deleteri sulle masse”.

Affrontando questi e altri temi contemporanei con l'umorismo tipico della sua creatività, Marcello Carrà ha realizzato un nuovo ciclo di opere inedite, rivisitando in forma allegorica alcuni dipinti di Ercole de’ Roberti e Lorenzo Costa, in un tracciato che si ricollega anche ai pittori fiamminghi, da cui la stessa Officina Ferrarese fu chiaramente ispirata, e più precisamente alla figura di Hieronymus Bosch. Una serie di riletture dell'antico che hanno dato vita a immagini ricche di simboli, in cui spesso si mescolano segno grafico e testo manoscritto.

Carrà ad esempio riprende un suggestivo particolare rappresentato da Ercole de’ Roberti nel mese di settembre a Palazzo Schifanoia, l’amore tra Venere e Marte, in cui assumono un ruolo da veri protagonisti l’abito e l’armatura dei due personaggi, posti ai piedi del letto in una raffigurazione dal sapore prettamente metafisico, quasi ad anticipare il futuro stile elaborato da De Chirico nella stessa Ferrara. Il letto/altare, da oggetto fisico, sfuma in una fitta scrittura in cui l’artista ha riportato i testi di canzoni contemporanee di vari interpreti che inneggiano all’amore passionale.

O ancora, i capelli della fanciulla presente nella predella del polittico Griffoni si trasformano in una scia di parole, che descrivono alcuni divieti imposti dalla sharia alle donne musulmane.

Un percorso quindi che affronta, attualizzandoli, gli argomenti più disparati: l'amore gioioso o disilluso, la fuga dai soprusi, l'impegno e la doppiezza d'animo, da cui emerge che i difetti umani rimangono gli stessi nel corso dei secoli, manifestandosi in forme diverse in base alle abitudini e al sentire di ogni epoca.

La mostra rimarrà aperta fino al 19 giugno, data di chiusura anche della mostra di Palazzo dei Diamanti, ed è visitabile tramite visite guidate ogni sabato dalle 15 alle 19.